tres exposiciones: la mala, la buena y la fea

hoy me tocó ver arquitectura. y la vi en la calle y en un par de museos acompañado de mucha gente que, según me pareció, no eran arquitectos, lo cual es muy bueno: confirma lo que ya se sabe desde hace tiempo en muchas ciudades: la arquitectura puede interesar también al gran público. aunque, por supuesto, como cualquier otro público, el de las exposiciones de arquitectura hay que construirlo. ahí el problema. aclaro que me hubiera gustado escribir sólo cosas buenas aquí. desde que escuché la semana pasada a alberto ruy sánchez decir que al darse cuenta del tiempo que dedicaba a lo que no le gustaba decidió criticar no lo que odiaba sino lo que amaba, pensé en aprender de la lección. pero aun no he podido. tal vez una semana no sea suficiente.

la primera exposición que vi está en las rejas de chapultepec, en la banqueta de reforma, y fue organizada por el colegio de arquitectos de la ciudad de méxico. de las tres que comento es la mala. ni me sorprende ni me extraña: antes ya comenté lo malo que resultó un catálogo también hecho por el colegio de arquitectos para una exposición de arquitectura mexicana en roma. pero resulta, por decirlo así, curioso que la asociación de arquitectos de la ciudad de méxico se revele tan poco capaz de organizar una muestra de arquitectura. dirán que colgar fotos en una reja no requiere gran ciencia, pero la selección y el orden que se les da a las obras expuestas implica decisiones y tomas de posición: eso que hoy se llama curaduría. aquí parece que no la hubo, que todo cupo y no sabemos por qué de esa manera y no de otra. ni siquiera sabemos si los excluidos revelan —como debiera— una toma de posición o sólo que no se inscribieron y pagaron su cuota para participar a tiempo.

la exposición se llama la ciudad y su arquitectura reciente. y aunque no aclara de qué ciudad se trata, al llevar las siglas cdmx en el cartel de presentación y estar organizada por el colegio de arquitectos de la ciudad de méxico, supongo que de esta ciudad. no se entiende entonces por qué se incluye, por ejemplo, la tallera, de frida escobedo, que está en cuernavaca —a menos que se trate de obras de arquitectos que viven en la ciudad de méxico, lo que el título de la muestra no aclara. no sería tan grave si las fichas de las fotografías estuvieran hechas como se supone que son las fichas de una exposición: nombre de la obra, de los autores, lugar, fecha y acaso alguna breve explicación. por si el público que camina en la banqueta de reforma quisiera saber algo más de esa arquitectura y sus autores. nada de eso. las fichas parece que las encargaron a alguien que hacía su servicio social y que nadie responsable las revisó. a veces llevan el nombre del fotógrafo, otras no. muchas veces atribuyen proyectos hechos por despachos con varios socios a uno de ellos y no al otro o, cuando inexplicablemente una obra cuenta con dos fotografías en vez de una, se atribuyen a dos autores distintos. supongo que el público no enterado de arquitectura no sabrá que arquitectura911 es el despacho de jose castillo y saidee springall (los tres nombres aparecen en distintas fichas, separados) o que francisco pardo y julio amezcua son socios.

y probablemente haya quien felicite a víctor jiménez por la casa que le construyó a juan o'gorman, pues la ficha no explica que la casa la hizo éste, en 1929, y que aquél fue el encargado de la restauración. por cierto, en esta exposición que parece más de fotos de edificios que de arquitectura reconocí al menos un render ocupando el lugar de una foto. será que los arquitectos ya no distinguimos o no queremos hacerlo entre la imagen de lo que es y la de lo que queremos que sea.

la siguente exposición, a unos pasos, está en el museo de arte moderno y se llama resumen del fuego. es una retrospectiva de la obra de fernando gonzález gortazar. se incluye una selección amplia del trabajo de gonzález gortazar como arquitecto y como escultor o, más bien, del compromiso escultórico de su arquitectura y de la condición arquitectónica de su escultura. hay, también, algunas imprecisiones en las fichas —como la que describe el proyecto para el arco bicentenario de gonzález gortazar como no construido, lo cual no es falso pero sí ambiguo: el proyecto no ganó en un concurso, que es lo que se debiera explicar. de cualquier manera el montaje, que pone en relación el trabajo arquitectónico y escultórico a través de fotografías, maquetas y obra a escala uno a uno, permite entender algunas decisiones formales de gonzález gortazar e intuir ciertas influencias.

la última muestra que vi es la fea. en descargo hay que decir que casi cualquier exposición que vaya a parar al pasillo del último nivel de bellas artes que pomposa y exageradamente bautizaron como museo nacional de arquitectura terminará siendo fea. curioso —para usar de nuevo el eufemismo— el lugar, en todos sentidos, que el instituto nacional de bellas artes concede a la arquitectura.

la muestra presenta a los participantes en le concurso para seleccionar a los curadores de la participación de méxico en la bienal de venecia de este año: absorbing modernity, 1914-2014, dirigida por rem koolhaas. en su momento escribí sobre las deficiencias de un concurso convocado a última hora y con algunas fallas en las bases. en el blog de arquine mostramos el primero y segundo lugares. viendo ahora todos los participantes me sorprende que, con contadas excepciones, la mayor parte de las propuestas hayan optado por construir la escenografía en vez de plantear primero el guión. sí: es una muestra de arquitectura e importa, y mucho, cómo se vea, pero también como se lea —y es difícil leer si nada se escribió. hubo, claro, propuestas interesantes, incluso radicales —dedicar el 1% del presupuesto del pabellón a filmar un documental que se exhibiría en venecia y registraría cómo familias de escasos recursos construyen o mejoran su vivienda con el 99% restante del presupuesto; la que hace del espacio un vacío con suelo inclinado y reflejante o la que lo convierte en un centro de documentación e investigación más que sólo en una muestra de edificios.

una de las preguntas que plantea koohaas para su bienal tiene sus dosis de ambigüedad y de cinismo —como mucho de lo que acostumbra el holandés. es arriesgado decir que en el siglo que va del inicio de la primera guerra mundial a nuestros días la modernidad borró, al menos en arquitectura, todos los residuos de tradiciones locales. no sólo por el desaire a ciertas posmodernidades y regionalismos críticos sino por la manera como atiende a una realidad construida que de algún modo refleja el recrudecimiento de nociones de identidad y diferencia que se oponen a lo genérico entendido como el peor efecto del capitalismo tardío. en el caso mexicano también es interesante contrastar esa idea de modernidad unificadora que plantea koolhaas con el mito —no por mítico falso— de la modernidad que construye la identidad del méxico post-revoucionario —y que el nuevo viejo pri se ha empeñado, con su acostumbrada esquizofrenia, en defender y desmantelar con el mismo gesto. esas lecturas se presentan en un mínimo porcentaje de las propuestas, que más bien optaron por lo escenográfico —algo que tal vez revele mucho de nuestra verdadera visión de la modernidad arquitectónica en méxico. con todo, aunque una muestra sea mala, otra buena y una fea, es bueno contar con tres exhibiciones de arquitectura al mismo tiempo en esta ciudad —más las que vendrán las próximas semanas.

yona friedman

el próximo sábado 26 de enero, a las 12:30, se inaugura la exposición arquitectura sin construcción en el museo universitario de arte contemporáneo, en el centro cultural universitario de c.u.

¿qué hay de nuevo, viejo?

con mayor anticipación que de costumbre se anunció al director de la próxima bienal de arquitectura de venecia: rem koolhaas. koolhaas es escritor y arquitecto –un periodista según él mismo dice: "pienso qe puedo hacer arquitectura como periodista, y una de las cosas más interesantes del periodismo es que es una profesión sin una disciplina. el periodismo es sólo un régimen de curiosidades, aplicable a cualquier tema, y diría que eso es una fuerza muy importante en mi arquitectura"– y probablemente uno de los más esperados para dirigir la bienal –antes que chipperfield, sejima o fuksas, por ejemplo, quienes sin haber hecho explícito su pensamiento sobre la arquitectura, ya lo han hecho.

sabemos que a koolhaas le interesa –¿y le gusta?– chocar y transgredir los límites establecidos de la disciplina. pensar sólo desde y para la arquitectura no tiene sentido para koolhaas: "en tanto arquitectos, somos intelectuales, pero operamos estrictamente dentro de la arquitectura. si soy totalmente honesto, diría que lo que hemos intentado es convertirnos, en nuestra oficina, no en intelectuales de la arquitectura sino en intelectuales públicos, en otras palabras, intelectuales capaces de contribuir en dominios más allá de la arquitectura."

quizás por eso oliver wainwright, en the guardian, aventura que en la siguiente bienal de venecia koolhaas podría apuntar a temas distintos a los que nos ha acostumbrado: la congestión metropolitana y la grandura (bigness) arquitectónica, la revisión del modernismo de mies y le corbusier a los metabolistas japoneses, etc. al recibir el premio jencks de teoría y prática, koolhaas habló –explica wainwright– de que sólo el 2% de la superficie terrestre está ocupada por ciudades. podríamos entender que koolhaas nos pide a los arquitectos interesarnos en el resto del mundo y en su organización territorial y, también, que lleva de vuelta a la arquitectura a las alturas megalomaniacas del modernismo heróico de le corbusier o wright.

por lo pronto ya sabemos algo de lo que buscará koolhaas en la bienal: "lanzar una mirada fresca a los elementos fundamentales de la arquitectura para ver si podemos descubrir algo nuevo de ella." ¿cuáles son esos elementos fundamentales? ¿muros, pisos y techos; la puerta y la ventana; el simple suelo; la piedra que marca el aquí yace?

el lago asfaltado

sous le paves la plage: bajo el pavimento la playa. la consigna del 68 parisino parece una versión del subtítulo de la novela que diego cañedo publicó en 1945: palamás, echevete y yo o el lago asfaltado. diego cañedo fue el seudónimo de guillermo zárraga, arquitecto, profesor, político y escritor. el lago asfaltado es un viaje en el tiempo en la ciudad de méxico, que también es protagonista de otros textos de cañedo-zárraga, como el gran planificador –breve relato en el que el popocatepetl, tras una gran erupción, ordena el caos de la gran ciudad, convirtiéndose, por tanto, en el gran planificador.

según escribe italo calvino en sus ciudades invisibles, a veces, sobre un mismo suelo y bajo un mismo nombre, se suceden ciudades diferentes sin haberse conocido, incomunicables entre sí. aunque a veces hay trazos y rastros que persisten entre unas y otras y, desde hace siglo y medio, gracias a la fotografía, imágenes que se mantienen.

las imágenes de la ciudades nos cuentan esa acumulación de trabajos y días, de obras y desobras, de construcción y destrucción. esa condición casi forense de la fotografía es la que apuntaba roland barthes al explicar que lo que en ella se reproduce al infinito, existencialmente es irrepetible. la ciudad y su imagen se revelan como cambio y permanencia, diferencia y repetición.

sobre este lago edificamos una ciudad pero bajo el asfalto persiste el lago y también en las imágenes, como fotogramas de una película sin director ni guión y aun sin editar: secuencias y consecuencias de esas transformaciones.

de los más de dos millones de imágenes que guarda el museo archivo de la fotografía de la ciudad de méxico, se presentan en esta exposición algunas no como registro nostálgico de un pasado mejor, sino como muestra de un cambio constante que sólo por momentos parece estabilizarse bajo la apariencia de orden para, poco después, cambiar de nuevo en un vertiginoso y complejo proceso de organización, a veces exitoso y muchas otras no, cuyo resultado, hasta ahora, es el lago asfaltado.

el próximo jueves 22 de noviembre, a las 19:30, en el museo archivo de la fotografía –república de guatemala 34, centro histórico– se inaugurará la muestra.

el otro : de máscaras y fachadas

hoy se inauguró en liga la instalación de frida escobedo el otro. a partir de fotografiar un edificio en la esquina de florencia y avenida chapultepec en la zona rosa de la ciudad de méxico, frida separa mediante dibujos las distintas capas que se han acumulado tras la fachada alguna vez transparente de esa arquitectura que se quiso moderna. con el uso y los años, el vidrio se fue revistiendo, al interior, de materiales distintos que, según apunta frida, mientras que transforman la apariencia del edificio mantienen hasta cierto punto su consistencia material hacia el exterior. a partir de dicha evidencia frida nos hace reflexionar sobre la relación entre representación e identidad : ¿qué es una fachada cuando ya no tiene ni función estructural ni simbólica? ¿qué dice, qué puede mostrar y qué oculta? ¿qué hay detrás de la apariencia, pues?

"si «la arquitectura es la disciplina que piensa la relación entre la sociedad y la forma» –nos dice citando a sanford kwinter– entonces su estatuto en tanto dominio de la representación cultural reside en su capacidad para actuar como instrumento mnemónico para calibraciones tanto históricas como sociales del tiempo."

la fachada, en tanto forma que revela y oculta, que esconde y demuestra a un mismo tiempo, nos lleva a pensar en su relación con el sujeto, con la cara y la máscara. frida nos explica, a partir de su doble etimología como cara –facia– y como hechura –facere– que la fachada "funciona como una etapa del espejo colectiva, una representación de las relaciones de los individuos con sus condiciones reales de existencia colectiva. trabaja sincrónicamente como máscara y como cara."

capas, caras, máscaras, fachas y fachadas; identidad y diferencia; otredad. frida nos lleva de su análisis de la fachada de un edificio quizás anodino –calificado alguna vez por leon krauze en un tuit que no puedo encontrar como el más feo de la ciudad– a las ideas de octavio paz sobre el y lo mexicano. como la pirámide a la que se le construye una nueva capa que la oculta y la refuerza, esta fachada moderna –como tantas otras– nos inventa y nos delata: "en nuestra carrera hacia el desarrollo –escribe–, la otredad se convirtió en el lastre que nos apartaba del progreso y que, convenientemente, decidimos barrer bajo la alfombra de un discurso histórico hegemónico, aplanándola en una única «identidad nacional» oficial que fue acompañada por una oleada de edificios de estilo internacional por toda la ciudad."

la casa al museo

los 1869 objetos de la casa que charles y ray eames construyeron en 1949 están por ahora en la reproducción de la misma casa en el museo de arte contemporáneo de los ángeles –vía architectural record.

serra, adentro y afuera

seguramente es un lugar común hablar del trabajo de richard serra como uno de los más arquitectónicos dentro de la escultura contemporánea: serra construye espacios, sin duda. la distinción escolar que supone que la arquitectura se caracteriza por su utilidad, su respuesta a una función, mientras que la escultura, por más espacial que sea, carece de uso previsto, es, aquí como seguramente en otros casos, demasiado simple y probablemente falsa. no se trata tampoco, por supuesto, de afirmar que el trabajo de serra es arquitectura. en el límite entre la arquitectura y la escultura, el trabajo de serra es a un tiempo una poderosa afirmación de la materialidad del espacio y de la espacialidad del cuerpo –que acaso habría que describir como espaciocidad– y una interrogante sobre las cualidades que separan y definen disciplinas que algunos quieren claramente distintas. como la mayor parte de la arquitectura y del paisaje, sea natural o urbano, la obra de serra, no se percibe generalmente de golpe: hace falta recorrerla, moverse a través de ella para construir, poco a poco, su imagen mental. podría incluso decirse que hay que entrar en ella –otra de las características que, esquemáticos, algunos reclaman como propia de la arquitectura–, pero eso es también problemático: las esculturas de serra dislocan la relación entre adentro y afuera.
las nuevas obras que actualmente se exhiben en la galería gagosian de nueva york, juntura y ciclo, son un claro ejemplo de esta compleja condición: varias piezas de acero oxidado –no sabría decir exactamente cuántas– se entrelazan implicándose unas en otras, y aunque las dos piezas están separadas por unos metros, su efecto es el de un continuo espacial del que jamás sabemos cuándo se entra ni cuando se sale –si es que hay adentro y afuera. literalmente un laberinto: un espacio para perderse, sin que esto implique ninguna angustia, al contrario: es, como definió denis hollier al laberinto, la experiencia extática de la embriaguez del espacio. perderse y encontrarse a un tiempo. es, pues, no un espacio de disyunciones –adentro o afuera, falso laberinto del árbol clásico de la lógica occidental, según explica umberto eco– sino de conjunciones e inclusiones, siempre y: adentro y afuera.

lola y la medalla donde diego y frida

fotografía del interior de la medalla milagrosa, en la narvarte, de félix candela, tomada por lola álvarez bravo y que forma parte de una exposición, con asesoría de james oles, que se inaugura hoy en el museo casa-estudio de diego rivera y frida kahlo, obra de juan o'gorman –¡cuántos nombres!

proyectos no construidos y concursos fallidos

el próximo sabado 9, a medio día, en el museo de arte moderno, se inaugura una pequeña exhibición curada por daniel garza usabiaga en la que, entre otros, se presentará el proyecto que hicimos en el 2003 en f304 [arroyo+hernández+tello] para el concurso de la biblioteca josé vasconcelos, en el que fuimos finalistas y obviamente no ganamos –si no, no estaríamos incluidos ahí. además, estará el proyecto para el arco del bicentenario de arquitectura911sc [jose castillo y saidee springall] + fernanda canales. por si alguno quiere darse una vuelta ese día o después.

sinécdoque, df (pezo y von ellrichshausen)

foto superior: el edificio sede de liga en insurgentes y chiapas (de augusto álvarez y juan sordo madaleno). abajo: inauguración de la exposición de pezo y von ellrichshausen (fotos pablo crespo)

dudo llegue a ser una obsesión, pero una de mis manías públicas, digamos, es coleccionar fotos de arquitectos y modelos a escala –lo que aquí puede verse con la etiqueta arquitectos y modelos. por lo tanto no necesito confesar mi propensión a que me gustara lo visto al llegar a la inauguración de la muestra de pezo y von ellrichshausen en el nuevo espacio para la arquitectura abierto por liga (grupo formado por productora –abel, carlos, víctor y wonne– más ruth), en la esquina de insurgentes y chiapas –en un muy buen edificio de augusto álvarez y juan sordo madaleno. descrito brevemente, en el pequeño espacio de liga se exhibe un gran museo –a escala– con doce salas dedicada cada una a exhibir un proyecto –a escala– de esta pareja de arquitectos chilenos.

la experiencia de –al menos ese día de la inauguración– formarse para recorrer las salas, asomándonos por las puertas de cada una, o agacharse y entrar al patio interior del museo para ver lo mismo desde otro ángulo pone inmediatamente en juego una serie de ideas sobre la escala –que, según escribió el francés philippe boudon en su libro sur l’espace architectural (1971), es el concepto central que articula la operación de la arquitectura (o, digamos, de lo arquitectónico). no es lo mismo, definitivamente, entrar en la sala de un museo o galería y recorrerlo entre amigos o desconocidos, que, multiplicados por diez –el museo de pezo y von ellrichshausen está a escala 1:10– entrar, hasta donde la mirada nos lo permite pues no hay otra manera, a una sala donde probablemente te encuentres con la mirada de otro –tema también central de la arquitectura según, entre otros, el filósofo japonés kojin karatani. enfrentados así a mirarse de puerta a puerta, cara a cara o, más bien, ojo a ojo, uno se siente apenado, descubierto en ese acto escopofílico que es ver una exposición –multiplicada también la pulsión voyeurista por diez. al otro lado, atravesando la sala entre maquetas, dibujos y fotografías de diversos proyectos, te encuentras con otro ojo que, cual dijo machado, “no es ojo porque lo veas, es ojo por que te ve.”

“los objetos arquitectónicos no tienen una escala precisa, o bien tienen múltiples escalas dependiendo del material con que están construidos, el lugar, la estructuración del espacio interior y los elementos que definen su uso o su volumen” –escribió federico soriano en el capítulo sin_escala de su libro sin_tesis. la escala, pues, no es algo definido o definitivo sino siempre un acuerdo, una relación establecida momentáneamente entre las cosas, el ojo y el cuerpo. nada revela mejor esto que el gesto –cada vez más en desuso gracias al dibujo asistido por ordenador– de manipular aquellos escalímetros de sección triangular –especie de toblerones métricos– girándolos hasta dar con la escala adecuada para ese dibujo, para ese momento. y es que la escala no es, en realidad, un tema de tamaño sino de información, de cantidad y calidad de información: a cada escala la información necesaria y pertinente.

la escala es pues no un asunto de tamaño sino de información –en un sentido casi etimológico de dar forma: in-formar– y por tanto de medida. ¿no es la medida un asunto de tamaño? en un texto en el que glosa –una vez más– el verso de höelderlin –pleno de méritos, pero en tanto poeta, el hombre habita sobre esta tierra–, heidegger explica que el acto fundamental de la poesía –entendida en griego, poien: producir– es tomar la medida. no seguir esta o aquella medida ya establecidas –no rellenar el endecasílabo, digamos– sino “tomar la medida con la cual habrá cada vez que medir(se).”

y eso son los modelos (a escala): el establecimiento de una medida. no de 1 a 10 o de 1 a 500, sino de la medida de algo o alguien con(tra) algo distinto o algún otro: el templo con el dios que lo habita y el risco que lo sostiene, la casa con el hombre o el puente con el territorio que (re)liga –parafraseando a heidegger. un modelo –escribe albert smith en su libro architectural model as machine (architectural press, 2004)– “es un mecanismo para pensar y definir, diferente de reglas, cintas métricas o tazas para medir cuyas medidas ya están definidas.” esto es: el modelo no mide, establece la medida. por eso –agrega smith– los modelos arquitectónicos deben entenderse como experimentos, puestas a prueba, “mecanismos usados para hacer visible lo invisible.”

la pregunta ¿qué representa un modelo arquitectónico?, abre pues –según el mismo smith y según lo que explicaban pezo y von ellrichshausen en la plática que siguió a la inauguración en liga– una serie de consideraciones sobre la condición de la arquitectura misma como representación de algo.

el modelo pone en crisis la idea misma de representación –en general, sea modelo científico, económico o, en este caso, arquitectónico. “el modelo –escribe patrick healy en the model and its architecture (010 publishers, 2008)– se toma como un elemento en un proceso arquitectónico, pero también tiene una existencia independiente como objeto: el modelo es una idea y un objeto; trata de un proyecto pero también de sí mismo.” recordando el trabajo de peter eisenman entre los años 60 y 80, healy sostiene que “un modelo puede ser algo más que la representación de la realidad: puede ser la realidad misma y, también, una distorsión de esa realidad.”

mucho más puede decirse, a partir del trabajo y la reflexión de mauricio pezo y sofía von ellrichshausen sobre el tema de la escala, los modelos y la representación en arquitectura. pero vale más, por ahora, invitar a no perderse esta muestra y a perderse en esa multiplicación de adentros –seguramente en alguna sala que no alcanzamos a ver está la propia maqueta de este museo, con las maquetas de las maquetas que exhibe, en un universo puesto en abismo a la manera del film de charlie kaufman synechdoche, new york.

arquitectos y modelos (de armar)

para la exhibición del trabajo de buckminster fuller que organizó, junto con luis fernández galiano, y presenta actualmente en madrid, construyó, entre otros modelos, uno escala 1:1 del auto dymaxion.

vacante nl

el pabellón holandés en la 12ª muestra internacional de arquitectura de la bienal de venecia lleva por título vacant nl. ronald y erik rietveld conjuntaron un equipo para mostrar, en maquetas, edificios desocupados en holanda. más de la instalación en designboom.

arquitectura en venecia

el pasado 29 de agosto abrió la 12ª exhibición internacionla de arquitectura de la bienal de venecia. varios sitios, como anarchitecture, ya han empezado a publicar reseñas. para los que no lo sepan, esta vez tampoco hay representación mexicana en la bienal –la pasada, fue la primera vez que méxico tuvo una participación oficial. el recuento del pabellón que nunca fue lo hace jose castillo –quien, junto con saidee springall y toño gallardo estarían a cargo de la presentación de este año– y se publica en el número de septiembre de tomo. las tres razones por las que no hubo pabellón mexicano una vez más, según las explica jose castillo, son, primero, la premura o, mejor, el destiempo para realizarlo –la falta de planeación que tan bien nos caracteriza. la segunda, que el proyecto –bautizado ¿qué más podemos hacer? siguiendo al ¿de qué otra cosa podríamos hablar? presentado en la muestra de arte de la misma bienal de venecia el año pasado por teresa margolles, pero con una actitud menos crítica o más optimista, según quieran verlo– no se sumaba a una política cultural más amplia del gobierno –¿acaso porque no es fácil encontrarla? y, en tercer lugar, por la dósis crítica que pudiera contener siendo el tema ciudad juárez –crítica que, insisto, había sido reducida al mínimo necesario y traducida en el optimismo operativo, no sin su toque de ingenuidad, que nos caracteriza a los arquitectos, confiados en que una serie de intervenciones espaciales pueden transformar la terrible realidad de un lugar como juárez. en fin, vale la pena leer el texto de jose castillo y entender por qué, una vez más, no llegamos a tiempo.

our cities ourselves

desde a daily dose of architecture algo sobre la exposición our cities ourselves en el center for architecture de nueva york, donde participan jose castillo y saidee springall de arquitectura 911.

la vida secreta de la lencería siria

desde flavorwire una serie de fotos y un breve texto sobre la exposición que en el kunsthal de rotterdam presentan malu halasa y rana salam a partir de los curiosos modelos de lencería femenina que encontraron en tiendas y mercados sirios.

exposición de cecil balmond

en el twitter de tomo me entero de la exhibición de cecil balmond en tokio. la información y fotos en designboom.

ron arad en the barbican

the guardian publica sobre la reciente (y primera) exposición de ron arad en londres, en the barbican.

exhibición de claude parent en parís

también en wallpaper veo que en la ciudad del patrimonio y la arquitectura se presenta una muestra con el trabajo de claude parent, socio durante un buen momento de paul virilio –de quienes jean nouvel, autor de la museografía, dijo que, del primero, había aprendido todo sobre la arquitectura y, del segundo, simplemente a pensar. parent es el "inventor" del plano oblicuo, patente en gran parte de cierta arquitectura propositiva actual.